Nascido em Curral Comprido, no Estado do Piauí, em 1996, Santídio foi viver com sua mãe em São Paulo aos oito anos. Frequentou o Ateliê do Instituto Acaia, onde teve sua formação artística. A característica mais marcante de seu trabalho se encontra no uso de diversas matrizes para a composição de uma obra única, subvertendo a característica de reprodutibilidade existente na linguagem da gravura. Interessado em expandir seus conhecimentos sobre o universo da arte, começou a frequentar as aulas livres de história da arte ministradas pelo crítico e curador de arte Rodrigo naves, que se encantou pelo trabalho do jovem gravador e assinou a curadoria de sua primeira exposição individual, na galeria Estação, em São Paulo, em 2016. Desde então já realizou três exposições individuais e tem participado em inúmeras mostras coletivas, no Brasil, Estados Unidos e França ("Nous les arbres", Fondation Cartier, Paris.)
Estela Sokol usa cor e luz como elementos-chave e combina técnicas de pintura como encáustica, pigmento, spray e esmalte a materiais como concreto, cera de abelha, pedra, parafina, espuma, aço, latão, madeira, grafite, tecido, cerâmica e resina. Mudanças de tom e nuances diversas são, portanto, recorrentes em seu trabalho. Especialmente nas pinturas sobre folhas de plástico que se justapõem entre paletes industriais transparentes e opacas, as folhas de PVC são esticadas em caixilhos de madeira revelando novas cores - que estabelecem um diálogo com o património da pintura e com a história da arte. Já realizou exposições individuais no Museu da Taipa (Macau, China), Gallery 32 (Londres, Inglaterra), Galerie Wuensch (Linz, Áustria), Palácio das Artes (Belo Horizonte); Paço das Artes, Centro Universitário Maria Antônia e Centro Cultural São Paulo (São Paulo, Brasil).
As gravuras de Fabrício Lopez realizadas em grandes compensados e tábuas possuem uma escala monumental. Não se trata de um trabalho que se dirige apenas aos olhos, mas a todo o corpo e ao espaço ao redor. Do mesmo modo, o processo artesanal de gravação e impressão exige um esforço corporal tremendo. Grandes chapas de madeiras são dispostas sobre o piso e sobre elas incide a força e os instrumentos do artista, que literalmente mergulha de corpo inteiro dentro de cada matriz. O modo como Fabrício fixa os papéis impressos diretamente na parede, montados por partes e colados com pincel, é análogo ao dos cartazes lambe-lambe tão recorrente nos grandes centros urbanos. Entretanto, suas gravuras se afastam das referências à cultura de massa e aos anúncios que incitam ao consumo rápido. Ao contrário, seu trabalho exige um contato prolongado e atento do público, uma vez que é cheio de sutilezas e nada têm de imediato e descartável. Cada xilogravura sua pressupõe várias camadas e sobreposições de tons. Das cores brotam imagens evanescentes, ícones que pairam no fundo e entre os planos, que de vez em quando sobem à tona e vêm ao primeiro plano. É da relação entre a superfície da imagem e suas camadas mais profundas que surge a complexidade das estampas. (Cauê Alves in "Fabricio Lopez:vínculo e abertura".)
A obra de Jérémy Chabaud - nascido em Lille em 1971 - oscila entre o microcosmo e o macrocosmo, a abstração e a figuração: entre o devaneio fusional e a consciência da separação. Desenhos e pinturas, mas também pequenas esculturas, dobraduras, instalações ou performances ressoam num questionamento político e poético do homem e da natureza. A natureza em primeiro lugar, que o fascina e inspira. Em 2010, Jeremy Chabaud, vencedor de uma Residência na Fundação Josef and Anni Albers, partiu para uma estadia de dois meses nas florestas de Connecticut. Lá fez 130 desenhos, todos imbuídos da experiência de isolamento e trabalho autônomo impostos pela vida na floresta. Mas também o homem e seu "fazer artístico" lhe interessam muito. Desde cedo - a partir dos 18 anos - Jeremy busca atividades de pesquisa individual ou coletiva sobre questões artísticas. A sua arte muitas vezes se faz plural e a sua prática artística combina a expressão pessoal com a criação de encontros, e a ligação de universos dispersos que daí resultam.
"Todas as minhas pinturas são construídas sobre fundos abstratos. Essa etapa de pintura pura é muito importante pra mim: é por ela que adentro na obra e invisto o espaço. Se seguirão então meses de ajustes: grandes e largas áreas de cor alternando com pinceladas menores, mais densas. Quando finalmente funciona e eu encontro meus acordes, o quadro avança para seu ponto de equilíbrio. Não consigo preparar uma imagem ou pre-estabelecer qualquer coisa que freie minha criatividade. Acredito muito no trabalho, na vertigem do vazio e do questionamento. Pintar é uma forma de desacelerar o tempo, ter tempo de me conectar com o que sinto. Eu reinterpreto muito a natureza, o elemento vegetal me fascina. Vejo nele algo maior do que o homem, o que o precede e o sobreviverá, o que nos protege ou nos anula, uma espécie de imensidão frondosa que cria um elo, uma gigantesca memória clorofílica com a qual componho e reinvento um mundo no qual sonhar."
Nascido em 1981, Jérôme Benitta vive e trabalha em Paris. Formou-se na Escola Nacional de Arte de Rennes. Expõe em Paris e São Paulo, onde realizou diversas residências [Prêmio Piza 2014, e Ateliê Fidalga em 2015, 2017 e 2019]. A pintura é seu principal midium, mas também pratica desenho e gravura. Editou várias autopublicações em risografia e serigrafia. Através de sua pintura Jérôme Benitta questiona as noções de paisagem e geologia. Ele vai procurar a imagem final justapondo sobre a tela diferentes camadas de tinta . Suas telas em volume avançam assim por acidentes, escorregões ou avalanches de cores massivas.